Sangat mudah untuk melihat lembaran musik dan berasumsi bahwa Anda tahu apa yang Anda lihat. Namun kata “sonata” telah disebarluaskan dalam beberapa abad terakhir sehingga praktis tidak ada artinya tanpa konteks. Awalnya, istilah tersebut tidak mengacu pada struktur tertentu sama sekali. Itu hanya berarti “terdengar”.
Kata kerja Italia sonare diterjemahkan menjadi “berbunyi”. Itu saja. Pada tahun 1561, ketika istilah ini pertama kali muncul, istilah ini dimasukkan ke dalam rangkaian tarian untuk kecapi. Perbedaannya sederhana: jika dimainkan dengan instrumen, itu adalah sonata. Jika dinyanyikan dengan suara, itu adalah kantata. Perpecahan biner itu berlaku untuk sementara waktu. Namun kemudian, para musisi mulai menjadi kreatif, dan definisinya mulai kacau.
Bagaimana Definisi Berkembang
Saat ini, ketika orang berbicara tentang sonata, yang mereka maksud biasanya adalah komposisi untuk satu atau dua instrumen. Bayangkan Moonlight Sonata karya Beethoven dari tahun 1801. Ini untuk piano. Cukup sederhana. Namun istilah ini mempunyai kebiasaan licik untuk berkembang.
Terkadang, sonata mengacu pada sebuah karya untuk ansambel kecil yang tidak lebih dari tiga bagian independen. Di lain waktu, ini diterapkan pada kelompok yang jauh lebih besar. Kuartet gesek? Itu sering dianggap sebagai sonata untuk empat instrumen. Orkestra? Jika komposisinya bertumpu pada prinsip bentuk musik yang ditetapkan pada pertengahan abad ke-18, maka bisa disebut sonata juga. Bahkan karya-karya abad ke-20 yang mengabaikan aturan-aturan klasik tersebut secara longgar diberi label sebagai sonata, hanya karena memiliki banyak gerakan.
Luasnya hal ini menimbulkan kebingungan. Terutama ketika Anda memasukkan “bentuk sonata” ke dalam campuran. Itu bukan jenis instrumen atau ansambel. Ini adalah metode pengorganisasian. Ini adalah cetak biru arsitektur yang digunakan dalam satu atau lebih gerakan karya instrumental dari periode Klasik dan seterusnya. Kita berbicara tentang Mozart, Haydn, dan Beethoven. Bentuk ini menentukan bagaimana tema disajikan, dikembangkan, dan diulang. Ini adalah kunci kerangka untuk memahami mengapa sebuah simfoni terasa seperti “pergi ke suatu tempat”.
Menghancurkan Gerakan
Jadi, seperti apa sebenarnya tampilan sonata pada halamannya? Kebanyakan terdiri dari dua, tiga, atau empat gerakan. Skema dua gerakan jarang terjadi pada instrumen solo. Tiga gerakan adalah standarnya. Empat adalah pengecualian, meskipun Beethoven senang melanggar aturan itu di tahun-tahun awalnya.
Pergerakan pertama biasanya merupakan juara kelas berat. Ini cepat. Itu dalam bentuk sonata. Di sinilah komposer memperkenalkan tema utama dan menetapkan taruhan nada. Gerakan kedua memberikan kelegaan. Ini lebih lambat, menawarkan kontras dalam tempo dan suasana hati. Kemudian tibalah final. Biasanya cepat lagi. Ini adalah kembalinya energi, sering kali mengakhiri argumen musikal yang dimulai pada gerakan pertama.
Saat seorang komposer menambahkan gerakan keempat, mereka biasanya memasukkan sesuatu yang lebih ringan. Sebuah gerakan bergaya tari. Bayangkan struktur yang ditemukan di sebuah suite. Ini sering kali terjadi di antara gerakan kedua yang lambat dan akhir. Terkadang ditempatkan di urutan kedua, mendorong gerakan lambat ke posisi ketiga.
Mengapa Gerakan Tengah Bervariasi
Gerakan pertama hampir selalu yang paling rumit dan berat. Tapi gerakan selanjutnya? Mereka sangat bervariasi. Tugas mereka adalah melengkapi pembukaan, bukan mengulanginya. Mereka memberikan serangkaian kontras baru.
Bentuk terner sederhana (A B A) umum untuk gerakan lambat. Begitu juga dengan bentuk variasi, dimana suatu tema dihadirkan dan kemudian diubah. Bentuk rondo (A B A C A) juga muncul, di mana tema yang berulang disela oleh bagian yang kontras. Jika seorang komposer menggunakan bentuk sonata dalam gerakan lambat, mereka sering kali melewatkan bagian pengembangan sepenuhnya untuk menjaga proporsi.
Gerakan terakhir juga sama fleksibelnya. Mungkin menggunakan bentuk rondo, sonata, atau hibrida. Anda akan sering melihat pola di mana rondo diperluas menjadi A B A-pengembangan-B A. Di sini, tema kontras (B) muncul pada kunci dominan terlebih dahulu, kemudian kembali pada kunci tonik. Hal ini menciptakan apa yang dikenal sebagai sonata-rondo. Ini adalah cara cerdas untuk membuat pendengar tetap terlibat tanpa kehilangan integritas struktural dari karya tersebut.
Dari Minuet ke Scherzo
Pada masa awal Klasik, gerakan tari tambahan tersebut hampir selalu berupa minuet. Itu adalah bentuk biner yang cukup sederhana. Anda mendapatkan minuet pertama, diikuti dengan bagian “trio”, yang biasanya diberi skor lebih ringan dalam karya orkestra. Kemudian Anda mengulangi minuet pertama. Ini menciptakan pola terner secara keseluruhan.
Namun Haydn mulai mengubah tempo. Dia mempercepat minuetnya sampai berhenti terasa seperti tarian dan mulai terasa seperti permainan. Beethoven mengambil langkah ini lebih jauh. Dia mengganti minuet dengan scherzo. Itu cepat, ringan, dan bentuknya mirip dengan minuet, tetapi memiliki lebih banyak energi.
Dalam kasus ekstrim, seperti simfoni kesembilan karya Beethoven dan Schubert, struktur ini diperluas. Bagian biner dari scherzo dan trio tumbuh menjadi struktur bentuk sonata yang kecil dan lengkap. Prinsip pengembangan tematik dan kontras utama, yang dulu hanya digunakan pada gerakan pertama, mulai menyebar ke seluruh bagian.
Sonata bukan sekadar kumpulan nada. Itu adalah percakapan. Dan seperti percakapan bagus lainnya, percakapan ini memerlukan argumen pembuka, momen refleksi, dan langkah yang lebih cepat untuk mengakhirinya.
Evolusi ini tidak terjadi dalam semalam. Itu adalah perubahan bertahap dalam cara berpikir komposer tentang waktu dan ketegangan. Mereka berhenti memandang pergerakan sebagai blok yang terisolasi. Mereka mulai memandang keseluruhan karya sebagai satu narasi yang terbuka. Batasan antara “tarian”, “simfoni”, dan “sonata” menjadi kabur. Yang tersisa hanyalah logika yang mendasarinya. Cara tema diperkenalkan, ditantang, dan diselesaikan.
Logika tersebut masih mendominasi sebagian besar musik klasik saat ini. Bahkan ketika komposer melanggar aturan, mereka tetap melanggarnya dengan latar belakang bentuk sonata. Ini adalah pengaturan default. Garis dasar. Anda pasti bisa menjauh darinya. Tapi Anda harus selalu tahu dari mana Anda memulainya.
Moonlight Sonata terkenal, tapi menyesatkan. Ini bukanlah sonata dalam arti struktural pada saat penulisannya. Itu adalah sonata cahaya bulan. Sebuah nama panggilan. Judul yang puitis. Musiknya sendiri menentang pola cepat-lambat-cepat. Ini merupakan pengingat bahwa label memang mudah digunakan, namun tidak selalu mencerminkan realitas suara.
Jadi lain kali Anda mendengar “sonata”, tanyakan pada diri Anda jenisnya. Apakah ini definisi berbasis instrumen dari tahun 1500an? Struktur multi-gerakan pada zaman Klasik? Atau cetak biru arsitektur bentuk sonata? Jawabannya mengubah cara Anda mendengarkan.
Bagaimana Baroque Sonata Berkembang dari Akar Renaisans
Sonata tidak muncul begitu saja. DNA-nya berasal dari polifoni paduan suara Renaisans akhir. Anda tahu gaya itu? Beberapa garis melodi yang sama terjalin menjadi satu. Komposer awal tersebut mengambil inspirasi dari dua sumber yang berbeda: gaya kuno nyanyian Gregorian dan lagu rakyat Eropa abad pertengahan. Mereka terus mencampurkannya. Lagu-lagu populer sekuler menjadi dasar karya massa dan keagamaan dari tahun 1400-an hingga awal tahun 1600-an.
Perpaduan unsur sakral dan sekuler ini meletakkan dasar bagi dua bentuk utama Barok: sonata dan partita (atau suite). Namun prosedur musik spesifik yang mendefinisikan sonata mulai mengkristal di Venesia.
Venesia Atur Templatnya
Lihatlah para komposer Venesia pada akhir abad ke-16. Andrea Gabrieli dan keponakannya, Giovanni Gabrieli, sedang melakukan angkat berat. Mereka membuat karya instrumental menggunakan bagian-bagian pendek dengan tempo yang kontras. Itu belum sepenuhnya terbentuk, tapi itu adalah cikal bakal sonata multi-gerakan.
Sonata pian’ e forte (Soft and Loud Sonata ) karya Giovanni Gabrieli dari tahun 1597 merupakan landmark di sini. Itu adalah salah satu karya pertama yang menentukan dengan tepat instrumen mana yang memainkan bagian mana. Di sinilah Anda juga melihat istilah sonata digunakan dengan cara yang menunjuk pada struktur masa depannya.
Namun itu bukan hanya karya berlabel “sonata”. Fantasia dan kanzon instrumental memiliki struktur bagian yang sama. Canzona berasal dari chanson Perancis. Seperti sonata awal, sonata itu kontrapuntal. Garis melodi terjalin. Pada tahap ini, garis-garisnya kabur. Sonata, fantasia, canzona, atau bahkan ricercare yang mirip fugue bisa terdengar sangat mirip. ricercare lebih ketat dan serius.
String Mengambil Alih
Abad ke-17 mengubah lanskap. Senar melampaui alat musik tiup. Pada masa-masa awal, angin sama pentingnya dengan string dalam sonata dan canzona yang ditulis untuk galeri luas Basilika San Marco di Venesia. Claudio Monteverdi lebih fokus pada vokal, tetapi penulisan instrumental mulai berkembang di tempat lain.
Ini menjadi permainan bagi para virtuoso. Khususnya, pemain biola.
Carlo Farina adalah nama kunci di sini. Dia bekerja di istana di Dresden dan menerbitkan serangkaian sonata pada tahun 1626. Namun dia bukanlah keputusan akhir. Gelar itu diberikan kepada Arcangelo Corelli.
Sonata yang diterbitkan Corelli, mulai tahun 1681, merangkum semua yang telah dilakukan komposer Italia hingga saat itu. Dia tidak hanya bermain; dia menentukan arah yang akan diambil oleh bentuk itu.
Dua Jalan: Gereja vs. Kamar
Karya Corelli memperjelas dua cabang pembangunan yang berbeda. sonata da chiesa, atau sonata gereja. Dan sonata da camera, atau chamber sonata. Mereka saling melengkapi tetapi sangat berbeda.
sonata da chiesa biasanya memiliki empat gerakan. Urutannya hampir selalu lambat–cepat–lambat–cepat.
Pergerakan cepat pertama cenderung fugal longgar, mencerminkan akar sonata dalam fantasia dan canzona.
Itu menggunakan imitasi melodi kontrapuntal. Itu serius. Gerakan terakhir lebih sederhana, ringan, dan seringkali tidak berbeda jauh dengan gaya tari yang terdapat pada chamber sonata.
kamera sonata da kurang serius. Kurang kontrapuntal. Gerakannya lebih banyak, semuanya lebih pendek, semuanya dalam gaya tarian. Jika sonata da chiesa adalah nenek moyang sonata Klasik, maka sonata da kamera adalah nenek moyang langsung dari suite atau partita. Pada abad ke-18, suite dan partita praktis identik dengan sonata da camera.
Kedua aliran ini mencerminkan sumber liturgi dan sekuler Renaisans. Gaya Barok berlangsung sekitar tahun 1600 hingga 1750. Untuk waktu yang lama, kedua pengaruh ini tetap independen. Tapi mereka saling berdarah. Anda akan menemukan gerakan tarian merayap ke dalam contoh sonata da chiesa yang lebih ringan. Anda akan menemukan tandingan yang menembus rangkaian yang lebih serius.
Instrumentasi dan Harmoni Stabil
Corelli juga membantu menstabilkan instrumentasi. Sekitar tahun 1600, revolusi musik dimulai di Italia. Ini bergeser dari polifoni Renaisans yang bersuara sama. Ini bergerak menuju monodi. Baris solo dengan iringan bawahan.
Pengaruh statis dari mode gereja lama digantikan oleh sistem kunci mayor-minor. Kontras kunci menjadi prinsip pengorganisasian. Itu lebih dramatis.
Counterpoint tidak hilang. Itu tetap menjadi pusat struktur musik selama seratus tahun berikutnya. Tapi itu berubah. Komposer mulai memperhitungkan harmoni dan akord. Mereka menulis tandingan dalam kerangka kunci mayor dan minor.
Dasarnya telah ditetapkan. Peralatannya sudah ada. Para pemain biola memiliki tekniknya masing-masing. Strukturnya memiliki logikanya sendiri. Apa yang terjadi selanjutnya memerlukan cara mendengarkan yang baru. Dan komposer jenis baru yang melanggar aturan sepenuhnya.
Mekanisme Figured Bass
figur bass bukan sekadar pedoman. Itu adalah mesinnya.
Komposer pada masa itu tidak menulis setiap nada untuk pengiringnya. Mereka memberimu garis bass. Angka, atau angka, berada di bawah nada untuk menunjukkan harmoni. Dari situlah istilah itu berasal. Itu adalah singkatan. Sebuah kerangka.
Siapa yang menyempurnakannya?
Instrumen melodi rendah. Sebuah kekerasan. Biola yang lebih dalam. Nanti, cello atau bassoon. Mereka bekerja bersama-sama dengan organ, harpsichord, atau kecapi. Tim ini adalah continuo. Pekerjaan mereka? Improvisasi. Mereka mengambil angka-angka itu dan mengisi celah sonik antara bass dan treble. Mereka membuat harmoni menjadi nyata. Tanpa mereka, musik hanyalah titik-titik di halaman.
Mengapa Trio Sonata Melibatkan Empat Pemain
Hasil penelitian Corelli memberikan petunjuk menarik tentang cara kerja instrumentasi pada masa itu. Anda memiliki sonata solo. Satu biola, didukung oleh continuo.
Kemudian Anda memiliki sonata a tre. “Untuk tiga.”
Hal ini tampak seperti sebuah kontradiksi di permukaan. Ini adalah trio sonata awal. Kamar utama terbentuk sampai sekitar tahun 1750. Namun diperlukan empat instrumen. Dua biola ditambah grup kontinu.
Mengapa disebut trio?
Pasalnya, para musisi melihatnya dalam tiga bagian. Dua baris melodi, satu landasan harmonis. Instrumen tertentu sering kali bergantung pada pemainnya. Seruling atau obo dapat menggandakan garis biola. Jika harpsichord tidak ada, mungkin cello dapat menangani kontinuonya saja.
Kesinambungan yang lengkap selalu lebih disukai. Namun kebutuhan mendorong fleksibilitas.
Bobot Historis Corelli
Pentingnya Corelli bukan hanya pada betapa indahnya suara musiknya. Ini tentang apa yang terjadi setelahnya.
Sederet komposer biola Italia mengikutinya. Dia mendapat penghargaan utama atas perkembangan gaya sonata pada akhir abad ke-17. Tidak dapat disangkal lagi.
Namun hanya melihat Italia saja sudah kehilangan separuh gambarannya.
Kontribusinya tidak boleh mengalihkan perhatian dari pekerjaan penting yang terjadi di luar Italia. Kisah musik kamar barok lebih luas dari hasil karya satu orang. Meskipun dia mendefinisikan genre tersebut bagi banyak orang, dia tidak menciptakan keheningan di sekitarnya.
Pergeseran Jerman dan Inggris dari Tari
Fokus Perancis pada balet sopan tidak hanya berhenti pada nada-nada indah. Ini mengubah seluruh lanskap musik dansa abad ke-18. François Couperin membantu mempersempit fokus ke bentuk-bentuk yang lebih kecil. Hal ini menjadikan Prancis sebagai pemberi pengaruh dominan dalam rangkaian tari. Tapi sonata da chiesa? Orang Prancis nyaris tidak menyentuhnya.
Jerman punya rencana lain.
Pendekatan Jerman berbeda. Ini dimulai dengan Michael Praetorius menerbitkan sonata awal pada tahun 1619. Genre ini berkembang dari hubungan yang erat dengan suite tersebut. Namun hal itu berkembang menjadi sesuatu yang jauh lebih ambisius. Komposer Jerman tidak hanya meniru Italia. Mereka memadukan struktur multibagian sonata da camera dengan karya kontrapuntal berat dari sonata da chiesa Italia. Itu adalah perpaduan kompleks antara struktur dan intensitas emosional.
Johann Heinrich Schmelzer memimpin serangan. Komposer Austria mendorong perkembangan ini sejak dini. Dia menerbitkan trio sonata untuk string di Nürnberg pada tahun 1659. Dua tahun kemudian, dia mencampurkan string dan angin. Pada tahun 1664, ia merilis set sonata pertama untuk biola tanpa pendamping.
Johann Rosenmüller menghabiskan waktu bertahun-tahun di Italia. Publikasinya pada tahun 1667, Sonate da camera cioè sinfonie, diterbitkan di Venesia. Ini pada dasarnya adalah komposisi tarian. Namun ceritanya berubah dua belas tahun kemudian. Rosenmüller mengeluarkan set baru di Nürnberg. Sonata ini terdiri dari dua, tiga, empat, dan lima bagian. Mereka menunjukkan kecenderungan Jerman menuju struktur abstrak. Tandingannya menjadi lebih ekspresif.
Bahkan karya dengan judul tari pun kehilangan ritmenya. Mereka menjadi komposisi untuk didengarkan saja.
Tren Jerman menuju struktur musik yang lebih abstrak dan tandingan yang ekspresif.
Heinrich Biber menjadi anggota terhebat di sekolah ini. Dia menerbitkan beberapa set sonata mulai tahun 1676. Beberapa untuk biola dan continuo. Yang lainnya melibatkan tiga, empat, atau lima bagian. Biber mengambil ekspresi yang ekstrem. Pekerjaannya terkadang aneh. Seringkali hal itu mencekam dan mendalam. Ini sangat kontras dengan gaya Corelli yang halus dan lembut.
Gelar Biber sering kali mengisyaratkan tujuannya: mendamaikan gaya gereja dan kamar. Publikasinya pada tahun 1676 berjudul Sonatae tam aris quam aulis servientes. Itu diterjemahkan menjadi “Sonata untuk Altar dan Aula.” Itu merupakan pernyataan niat yang jelas.
Dia juga seorang pemain biola dengan kekuatan luar biasa. Seperti Corelli, dia memberikan kontribusi yang signifikan terhadap teknik instrumental. Dia menggunakan scordatura dalam sonata biola tanpa pendampingnya. Latihan ini melibatkan penyesuaian penyetelan senar untuk mendapatkan efek khusus. Itu sangat cerdik.
Perlawanan Polifonik Inggris
Komposer Inggris melakukan hal serupa. Intensifikasi ekspresi terjadi pada abad ke-17. Namun titik awal teknisnya berbeda.
Inggris tertinggal. Mereka berpegang pada polifoni dengan cara Renaisans. Ini sementara orang Italia menyempurnakan monodi. Jerman berhasil menyatukan monodi dengan tradisi kontrapuntal mereka sendiri.
Polifoni bahasa Inggris pada tahun 1600-an mencapai tingkat penyelesaian teknis yang luar biasa. Itu juga mencapai keagungan emosional. Thomas Tomkins, Orlando Gibbons, John Jenkins, dan William Lawes adalah agen utama dalam proses pemurnian ini. Mereka bekerja bersama pendahulunya seperti John Coperario.
Mereka melakukan transisi secara bertahap. Mereka beralih dari string fantasia yang diwariskan oleh William Byrd dan lainnya pada masa pemerintahan Elizabeth I. Mereka mendekati bentuk sonata Barok yang baru. Namun mereka tetap lebih dekat dengan semangat polifoni dibandingkan rekan-rekan mereka di benua lain.
Baru pada saat Henry Purcell segalanya berubah secara dramatis. Purcell menyerahkan tradisi Inggris yang kaya ini pada dampak pengaruh Prancis dan Italia yang terlambat. Dia melakukan ini dalam sonata tiga bagian dan empat bagiannya.
Hasilnya adalah perpaduan gaya. Itu adalah titik inspirasi musik tertinggi yang pernah dicapai oleh bentuk sonata yang muncul.
Lambatnya Trio Sonata
Era Barok bukan sekadar kebisingan. Itu adalah perjalanan yang sulit antara tandingan dan monodi. Dari akhir tahun 1600-an hingga pertengahan tahun 1700-an, sonata barok menemukan pijakannya. basso continuo menahan garis. Selama trio sonata tetap menjadi raja musik kamar, perangkat itu bertahan. Itu adalah jaring pengaman.
Vivaldi dan orang-orang Italia sezamannya membuat mereka. Kadang-kadang mereka tetap berpegang pada struktur empat gerakan yang lama. Seringkali, mereka beralih ke pola cepat-lambat-cepat yang dipopulerkan oleh tawaran opera. Teleman? Dia menulis ratusan. Konsisten. Dapat diandalkan. Handel, yang terjebak di Inggris, menyumbangkan sonata solo dengan kontinu juga. Di Prancis, Boismortier dan Leclair menjaga segala sesuatunya tetap menawan, meski tidak terlalu mendalam.
Namun tanahnya bergeser. Nada suara terbangun.
Kontras kunci bukan lagi sekadar pilihan musik; itu adalah kekuatan organisasi. Itu datang untuk trio sonata. Bass berpola, mesin tua yang dapat dipercaya, tidak dapat memenuhi permintaan akan warna instrumental tertentu dan notasi yang sangat detail. Musisi ingin mengetahui secara pasti apa yang dimainkan seruling tersebut, bukan hanya struktur harmoniknya secara umum. Continuo menjadi usang bukan karena dekrit, namun karena tidak relevan.
Pada tahun 1695, Johann Kuhnau sudah mulai menerbitkan sonata keyboard. Tema-tema alkitabiah. Potongan terprogram. Pergeseran fokus. Lalu datanglah J.S. Bach. Titannya.
Bach tidak hanya menulis beberapa trio sonata. Dia beralih dari peran bawahan keyboard. Di dunia lama, pemain harpsikis melakukan improvisasi, mengisi kekosongan. Bach menulis bagian yang wajib. Ditulis sepenuhnya. Wajib. Jangan menebak-nebak. Dia memasangkan biola dan seruling dengan garis harpsichord yang kaku dan ekspresif. Dia juga memberi kami sonata dan partitas biola tanpa pendamping. Masing-masing tiga. Minimalis. Brutal. Cantik.
Di sinilah bentuk sonata klasik mulai tumbuh.
Kekuatan kunci untuk menyusun sebuah karya menjadi tidak dapat disangkal. Ini menciptakan ekspektasi. Itu memberikan kepuasan. Tapi itu belum sepenuhnya diambil alih. Pikiran Barok masih mengandalkan proses kesatuan yang berkesinambungan. Counterpoint berkuasa. Bahkan Domenico Scarlatti, dengan 555 gerakan harpsichordnya yang masih ada, termasuk dalam dunia lama. Bentuk binernya fleksibel. Asli. Istimewa. Namun mereka tidak memiliki konflik yang sebenarnya. Kontrasnya terasa tertahan dalam waktu, tidak bergerak maju sepanjang waktu.
Transisi ini membutuhkan generasi baru.
Carl Philipp Emmanuel Bach, putra J.S., tidak hanya mengangguk melihat perubahan itu. Dia terjun ke dalamnya. Dalam 70+ sonata harpsichordnya, dia menekankan kontras utama. Bukan hanya antar gerakan. Di dalam mereka. Dia menguasai seni transisi. Drama menggantikan kontinuitas.
Kemudian tibalah giliran orkestra.
Matthias Georg Monn, Georg Christoph Wagenseil, dan Giovanni Battista Sammartini. Austria dan Italia. Mereka membentuk simfoni. Sekarang setara dengan sonata solo. Tema bersifat individual. Subyek kedua menjadi pilar struktural, bukan sekedar renungan. Wilhelm Friedemann Bach berkontribusi secara sporadis. Johann Christian Bach yang menetap di London menawarkan pesona melodi yang kelak memikat Mozart.
Panggung telah ditetapkan. Persatuan lama mulai retak. Konflik baru mulai terjadi. Siapa yang tahu kemana arah gerakan selanjutnya?
Pada tahun 1770, peralihan dari struktur sonata Barok ke Klasik tidak lagi dapat ditebak. Itu dipasang di atas batu. Sekolah opera Neapolitan, dipimpin oleh Alessandro Scarlatti, menyederhanakan opera sinfonia. Mereka menghapus sonata da chiesa dari gerakan pembukaannya yang lambat. Mereka membuang fugue, hubungan lama dengan masa lalu. Pola baru ini memiliki tiga gerakan. Terkadang minuet menggantikan akhir yang cepat dan abstrak. Di lain waktu, menambahkan minuet membuat hitungannya kembali menjadi empat.
Kemudian datanglah sekolah Mannheim. Johann Wenzel Stamitz dan putranya Karl mengubah orkestra menjadi laboratorium. Mereka menggunakan kontras nada untuk menciptakan efek dramatis. Ini bukan sekedar kebisingan. Itu adalah eksperimen.
Munculnya Kontras Utama
Sonata Klasik muncul sebagai kendaraan. Ini mengkonsolidasikan perubahan selama hampir dua abad. Kami beralih dari polifoni bersuara sama ke monodi. Melodi dan harmoni menjadi pusat perhatian. Gaya Rococo, atau gaya galant, sudah tidak ada tandingannya. Lagu adalah raja. Namun Haydn dan Mozart kembali mengubah permainan.
Dalam gaya Klasik dewasa, nilai nada terletak pada perannya sebagai fungsi nada suara.
Minat melodi menjadi nomor dua. Kunci mengambil alih. Mereka menjadi artikulator dasar bentuk. Tema seringkali direduksi menjadi sekedar motif. Tag. Implikasi harmonis dari suatu tema lebih penting daripada keindahannya. Ini bukan tentang betapa bagusnya kedengarannya. Itu tentang kemana perginya.
Haydn dan Mozart: Ahli Struktur
Prinsip kontras kunci mencapai puncaknya pada karya Haydn dan Mozart. Mereka menggunakan bentuk sonata untuk mengatur musik mereka. Karya terbaik Haydn? Senarnya. Lebih dari 80 kuartet gesek. Lebih dari 100 simfoni. 52 sonata keyboard. 31 trio. Dia menggabungkan skema kunci dualistik dengan tema monistik. Satu tema dasar di kedua tombol. Dia juga suka mengatur gerakan lambat pada kunci jarak jauh.
Mozart berbeda. Dia menguasai opera dan konser solo. Konserto ini berbagi kecintaan bentuk sonata terhadap kontras kunci, tetapi akarnya ada pada aria vokal solo. Itu adalah binatang yang berbeda. Namun, Mozart berhasil menguasai struktur sonata dalam enam simfoni terakhirnya. 10 kuartet gesek terakhir. Selusin sonata keyboard. Beberapa trio dan kwintet.
Biola sonata adalah pemain kecil bagi keduanya. Keyboard telah melampauinya. Biola kembali berperan sebagai partner bawahan. Ia baru mendapatkan kembali peran utamanya pada akhir abad ke-18. Dalam sonata biola Mozart selanjutnya. Dan kemudian, di karya Beethoven.
Ekspansi Beethoven
Beethoven mempertahankan bentuk dasarnya. Tapi dia merentangkannya. 32 sonata pianonya. 16 kuartet gesek. Sembilan simfoni. Dia memperluas codanya. Bagian penutup itu. Dia menggunakan kunci yang tidak biasa dalam eksposisi. Dia membuatnya lebih lama. Dalam karya-karyanya selanjutnya, ia menjauh dari prinsip dualistik. Dia kembali ke pendekatan monistik. Pikirkan bentuk variasi. Pikirkan fugue.
Pintasan Schubert
Franz Schubert mengambil jalan berbeda. Simfoni No. 5 dalam B-flat Major miliknya, yang ditulis pada tahun 1816 pada usia 19 tahun, menunjukkan adanya pergeseran. Lihatlah rekapitulasinya. Tema pertama muncul pada kunci subdominan. Kunci yang toniknya lima nada di bawah kunci home. F–C. Seperti halnya kunci home yang berada di bawah dominan.
Perangkat ini memungkinkan Schubert menempatkan tema kedua dalam kunci tonik. Tujuan dari rekapitulasi. Tanpa mengubah transisi. Bagian yang tadinya berpindah dari tonik ke dominan dalam eksposisi kini berpindah dari subdominan ke tonik. Itu adalah prosedur yang menghemat tenaga kerja.
Pendekatan Schubert menunjukkan kurangnya kesabaran terhadap cara kerja bentuk sonata seperti yang dipraktikkan sampai sekarang.
Bentuk Sonata bukanlah seperangkat aturan yang dikodifikasi oleh para ahli teori. Itu adalah prinsip yang tumbuh dari bentuk-bentuk sebelumnya. Anda dapat menggeneralisasinya dengan meneliti Haydn, Mozart, Beethoven, dan orang-orang sezamannya. Schubert baru saja menemukan jalan pintas. Dan itu berhasil.
Tapi apakah itu membuatnya kurang valid? Atau hanya berbeda? Bentuknya terus berubah. Selalu.
Ekspansi Schubert: Cetak Biru Bentuk Modern
Pergeseran ini tidak terjadi secara halus. Ini dimulai dengan Schubert. Karya instrumentalnya selanjutnya tidak hanya mengubah cetak biru sonata standar; mereka merobeknya dan memulai kembali. Anda memiliki eksposisi, pengembangan, rekapitulasi—tersangka yang biasa—tetapi Schubert terus menambahkan pemerannya. Dia memperluas jumlah pusat tonal. Dia terkadang mengubah tema dasar dari dua menjadi tiga. Kedengarannya seperti penyesuaian kecil. Ternyata tidak.
Perluasan ini menjadi kode genetik tradisi simfoni Austro-Jerman. Lihatlah Anton Bruckner. Eksposisinya bergantung pada tiga kelompok tematik yang berbeda. Itulah pengaruh Schubert. Lihatlah Gustav Mahler. Struktur sonata-nya sangat luas. Sekali lagi, Schubert. Pria itu adalah nenek moyang langsung dari arsitektur yang menggembung ini.
Tapi ada arah lain. Kontraksi.
Masukkan Fantasi dalam C Major (1822), juga dikenal sebagai Fantasi Pengembara. Untuk piano. Di sini, Schubert tidak berkembang. Dia menyatu. Keempat gerakan yang terpisah itu dipecah menjadi satu kesatuan yang erat dan terpadu. Semua berdasarkan versi transformasi dari satu tema. Ini adalah kebalikan dari pengaturan multi-tema Bruckner yang luas.
Di Prancis, Hector Berlioz mengambil jalan serupa dengan Symphonie fantastique (1830). Dia menggunakan idée fixe —ide tetap yang mewakili kekasih artis. Namun dia tidak mengulanginya begitu saja. Dia memutarnya. Bentuknya berbeda-beda di setiap gerakan. Mengapa? Karena plotnya. Program tersebut menuntut hal tersebut. Ini adalah terobosan keras dari sifat sonata Klasik yang abstrak dan tanpa plot.
Fusion menjadi aturan baru. Kesatuan tematik antar gerakan bukan sekedar tipuan; itu adalah mesin puisi simfoni.
Liszt, Schumann, dan Cyclic Break
Franz Liszt mengubah perpaduan ini menjadi prinsip struktural. Tapi dia menghilangkan logika sonata lama. Tidak ada lagi kontras, konflik, dan rekonsiliasi kunci. Program ini menyarankan transformasi. Bentuknya mengikuti cerita, bukan aturan harmoni nada.
Satu gerakan Liszt Piano Sonata in B Minor (1853) adalah buktinya. Ini adalah gerakan tunggal dengan subdivisi yang meniru bagian sonata. Tapi keempat tema itu? Mereka diubah dan digabungkan secara bebas. Ini berangkat dari urutan biasanya. Ini kacau tapi terkendali.
Robert Schumann juga terserang demam. Symphony No. 4 in D Minor miliknya (1851) memadukan gerakan-gerakan menjadi satu. Itu adalah eksperimen yang bermanfaat. Lalu datanglah Cesar Franck. Dia tetap menggunakan bentuk sonata dasar tetapi menambahkan pendekatan “siklik” dari tahun 1841. Fusion. Hubungan tematik antar gerakan. Dia mempertahankan bentuknya tetapi mengubah darahnya.
Johannes Brahms mengambil jalan berbeda. Dia tidak merusak formulir itu. Dia menyempurnakannya. Dia mendorong bentuk sonata Klasik ke kompleksitas tertinggi. Inovasi berirama. Counterpoint, diberi semangat baru. Hubungan tematik digunakan dengan ketelitian yang halus dan hampir seperti bedah.
Sementara itu, tiga sonata piano Frédéric Chopin lebih banyak tentang ekspresi liris daripada inovasi formal. Carl Maria von Weber dan Felix Mendelssohn? Sangat dihormati di zaman mereka. Sonata mereka mengikuti pola Klasik. Namun mereka hanya memberikan sedikit kontribusi terhadap evolusi menjauh dari kondisi tersebut. Evolusi sesungguhnya didorong oleh Berlioz dan Liszt. Dan kemudian Mahler membawa obor itu.
Logika Penggabungan dan Jatuhnya Nada Suara
Simfoni Mahler menggabungkan ekspansi dengan kesatuan. Lebih dari dua pusat nada. Grup tema lainnya. Kesatuan yang lebih besar antar gerakan. Hasilnya adalah komposisi yang luas yang disatukan oleh hubungan timbal balik yang kompleks. Itu sangat besar. Itu padat.
Arnold Schoenberg membawa fusi ke kesimpulan logisnya. String Quartet No.1 in D Minor miliknya (1904–05) adalah karya satu gerakan. Bagian yang kontras. Semua tema berasal dari beberapa motif dasar. Tidak ada gerakan terpisah. Hanya motif yang berkembang.
Namun ada dua hal yang melemahkan bentuk sonata Klasik sebagai prinsip pengorganisasian di akhir abad ke-19.
Pertama, kromatisme. Richard Wagner memimpin serangan itu. Not dan akord asing pada kuncinya. Ketika digunakan secara luas, hal itu merusak perasaan utama. Kuncinya tidak terdengar cukup kuat untuk membuktikan dirinya sendiri. Itu menjadi sangat menonjol sehingga pusat nadanya menghilang.
Kedua, musik terprogram. Liszt dan para pengikutnya menggunakan organisasi musik berdasarkan plot, bukan kontras utama. Bentuk sonata melemah.
Namun, kunci home tidak hilang seluruhnya. Itu baru saja mengubah pekerjaannya.
Mahler dan Carl Nielsen secara independen menempa jalan baru. Nada suara progresif. Kunci rumah menjadi gol. Sebuah tujuan. Anda memulai di satu tempat, menjelajahi wilayah-wilayah utama yang jauh, dan berakhir di kunci yang berbeda. Pekerjaan berpindah ke pusat nada baru. Itu tidak kembali. Itu tiba.
Symphony No. 1 in G Minor karya Nielsen (1891–92) dan Symphony No. 2 karya Mahler (1888–94; Resurrection ) adalah yang pertama. Mereka membentuk bentuk-bentuk baru yang sangat individual. Aturan lama sudah hilang. Yang baru baru saja mulai terbentuk.
Sebagian besar komposisi pasca-Wagner dalam bentuk sonata terasa seperti kehilangan denyut nadi.
Mengapa? Karena mesin lama—ketegangan antar tombol—berhenti bekerja. Komposer tidak dapat lagi mengandalkan kontras struktural itu. Jadi mereka berputar. Mereka memusatkan musik pada melodi.
Itu bukan sekedar perubahan hati. Itu adalah kompromi gaya.
Misalnya Arnold Schoenberg. Dia tidak meninggalkan struktur. Dia baru saja menukar aturannya.
Sonata 12 Nada Schoenberg
String Quartet No. 4 karya Schoenberg (1936) adalah contoh utamanya.
Dia menggunakan metode 12 nadanya. Disebut juga dodekafonik.
Hasilnya didasarkan pada tema yang kontras, bukan berdasarkan prinsip kontras kunci sonata klasik.
Inilah menariknya: musik 12 nada bersifat atonal. Ini sengaja menghindari menciptakan rasa kunci.
Jadi bagaimana Anda memasukkannya ke dalam bentuk sonata? Anda menjaga garis besarnya. Anda menjaga gerakannya. Anda mempertahankan alur dramatisnya. Namun Anda mengganti konflik tonal dengan konflik tematik.
Dia membangun melodi dan harmoni dari sebuah “barisan”. Serangkaian spesifik dari semua 12 nada kromatik. Komposer memilih urutan ini. Itu menjadi DNA untuk keseluruhan bagiannya.
Tidak ada kunci. Hanya tema.
Nada Dekoratif Prokofiev
Sergey Prokofiev mengambil jalan yang berbeda. Namun hasilnya tampak serupa di atas kertas.
Sonata-sonatanya masih menggunakan pembagian formal luar dari era Klasik. Gerakan pertama. Perkembangan. Rekapitulasi.
Namun logika internal berubah.
Nada suara masih ada. Itu belum hilang.
Tapi itu memainkan peran dekoratif. Bukan yang struktural.
Minatnya beralih ke melodi itu sendiri. Harmoni baru saja menghiasinya.
Mengapa Itu Penting
Pergeseran ini menjelaskan mengapa sonata selanjutnya terasa berbeda.
Mereka tidak memiliki ketegangan penting dalam kontras utama.
- Schoenberg mengganti kunci dengan baris dua belas nada.
- Prokofiev menyimpan kunci tetapi mencabut kekuasaan strukturalnya.
- Keduanya menyimpan kerangka sonata.
Tidak ada komposer yang bisa kembali. Pusat nada rusak.
Jadi mereka beradaptasi. Mereka membuat melodi membawa beban.
Bukan berarti karya-karya ini lemah. Itu karena mereka memainkan permainan yang berbeda.
Anda mendengarkan temanya sekarang. Bukan ketegangan antara C mayor dan G mayor.
Bentuknya tetap ada. Namun jiwanya telah berubah.
Bagaimana komposer modern menciptakan kembali struktur klasik
Bentuk sonata tidak mati. Itu baru saja mendapat facelift.
Komposer di abad ke-20 tidak begitu saja mengabaikan aturan; mereka memelintirnya sampai patah. Anda melihatnya dalam sonata instrumental, kuartet gesek, dan karya orkestra besar. Kaitannya dengan era Klasik? Itu ada di sana. Tapi itu longgar. Bervariasi. Terkadang hampir tidak bisa dikenali.
Ambillah prinsip motif germinal. Ini adalah cara yang bagus untuk mengatakan Anda membuat sebuah karya besar hanya dari dua atau tiga nada. Itu radikal. Itu konsisten. Dibutuhkan gagasan transformasi tematik abad ke-19 dan menjadikannya sebelas.
Jean Sibelius melakukan ini. Ralph Vaughan Williams juga melakukan hal yang sama. Mereka mengubah proporsi sonata agar sesuai dengan tujuan mereka yang aneh dan menakjubkan. Baris 12 nada Schoenberg? Getaran yang sama. Hanya lebih matematis.
Tapi di sinilah hal itu menjadi rumit. Ketika Schoenberg dan murid-muridnya seperti Alban Berg dan Anton Webern menggunakan metode 12 nada, mereka menciptakan bentuk-bentuk yang sangat penting dalam sejarah. Masalahnya dimulai ketika mereka mencoba memaksakan metode itu ke dalam struktur sonata. Rasanya seperti hubungan yang tidak nyaman. Efektivitasnya menurun. Anda tidak bisa memaksakan pasak persegi ke dalam lubang bundar.
Béla Bartók memainkan permainan yang berbeda. Dia mencampur tangga nada rakyat dengan bagian-bagian tanpa nada. Strukturnya sering kali tampak seperti lengkungan. A B C B A. Sederhana. Simetris. Kuat.
Paul Hindemith menulis untuk setiap instrumen yang bisa dibayangkan. Kontribusinya pada media sonata sangat banyak. Inovasinya? Signifikansi kecil. Dia tidak mengubah permainan; dia hanya memainkannya dengan baik.
Michael Tippet? Dia berbeda. Dalam Symphony No. 2 (1956–57), dia menggunakan nada suara dengan cara yang segar. Dia memadukan bentuk sonata dengan polifoni fantasi dan madrigal Inggris yang bersuara sama dari era Elizabeth. Itu sangat merangsang. Itu adalah pemulihan hubungan antara yang lama dan yang baru.
Wilfred Josephs membawanya lebih jauh dalam Symphony No.2 (1964). Dia memadukan gerakan sedemikian rupa sehingga menafsirkan ulang sonata. Pergerakan panjang pertama bertindak sebagai eksposisi. Tiga gerakan tengah berfungsi sebagai pengembangan dan gerakan lambat/hibrida scherzo. Penutup singkat membungkusnya sebagai rekapitulasi. Itu kompak. Itu pintar.
Meteran dan warna nada menggantikan kontras nada
Elliott Carter berhenti mengandalkan perubahan penting untuk menandai poin musik. Dia menggunakan meteran. Dia menggunakan warna nada instrumental.
Dia menggabungkan motif germinal dengan “modulasi metrik”. Ini adalah perubahan meteran yang terkendali. Brahms meramalkan hal itu. Lihatlah akhir Piano Concerto No. 2 di B-flat Major (1881). Carter mengambilnya dan menjalankannya. Sonata untuk Cello dan Piano (1948) miliknya adalah contoh utama. Dia menyuruh meteran melakukan pekerjaan berat seperti yang biasa dilakukan kunci.
Ia juga membedakan pokok bahasan musik untuk setiap instrumen. Itu tajam. Berbeda. Dia tidak sepenuhnya menciptakan hal ini. Charles Ives melakukan hal serupa dalam String Quartet No. 2 (1913–15). Carter baru saja menyempurnakannya.
Stravinsky? Dia bermain sesuai aturannya sendiri. Terutama setelah dia mengadopsi pendekatan 12 nada di akhir karirnya. Dia menggunakan motif dasar dengan cerdik. Namun strukturnya bukan tentang pembangunan dalam pengertian tradisional. Itu tentang penjajaran. Blok-blok besar dengan karakter musik yang berbeda saling bertabrakan. Tidak ada transisi yang mulus. Kontras saja.
Masa depan formulir
Musik di paruh kedua abad ke-20 terlalu beragam. Bentuknya terlalu berbeda. Sikap estetis terus berubah. Fungsi sosial berubah. Anda tidak dapat memprediksinya dengan yakin.
Namun contoh-contoh tersebut menunjukkan sesuatu yang penting. Sonata. Dan bentuk sonata. Lahan tersebut masih subur.
Haydn. Mozart. Beethoven. Mereka tidak hanya mengikuti aturan. Mereka menciptakan bentuk-bentuk yang tumbuh secara alami dari prinsip-prinsip pada masanya. Kontras. Konflik. Resolusi. Itulah yang mendefinisikan sonata, simfoni, dan musik kamar mereka.
Kesuksesan masih memberi penghargaan kepada komposer yang melakukan hal yang sama hingga saat ini. Bukan dengan menyalin. Dengan mengembangkan bentuk-bentuk yang tumbuh dari prinsip-prinsip spesifik yang mereka gunakan. Medianya berubah. Prinsip-prinsipnya berkembang. Namun dorongan untuk menyusun kekacauan menjadi sesuatu yang koheren? Itu tetap ada.
Ini bukan tentang melestarikan peninggalan. Ini tentang menemukan langkah logis berikutnya.
Apakah ini akan berhasil? Tidak ada yang tahu. Tapi alatnya ada di sana. Sejarahnya ada di sana. Pertanyaannya adalah apakah ada orang yang cukup berani untuk mematahkan kebiasaan tersebut lagi.
